航食成本缩水:南航18元 东航不到26元

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近年来,航空餐食的“缩水”降级趋势明显,多家航司通过降低餐食成本、提供更多辅助收入业务来开源节流。

数日前,中国国航(以下简称“国航”)、中国东航(以下简称“东航”)、南方航空(以下简称“南航”)相继发布2023年财报。记者对比三大航的财报数据后发现,相比2019年,三大航的航空餐食成本费用和占总营业成本的比例均在下降,旅客人均航空餐食成本均有明显减少。把过去一年餐食总成本按旅客人次均摊计算后,三大航的人均航空餐食成本从低到高依次为南航18.05元、国航24.02元、东航25.8元。

 

南航餐食成本最低

三大航财报披露的成本分析表均包含了航空餐食一项。其中,国航2023年的航空餐饮费用为30.03亿元,占总营业成本的2.24%;东航2023年的餐食及供应品费用为29.93亿元,占总营业成本的2.66%;南航2023年的餐食及供品费用为25.63亿元,占总营业成本的1.74%。

对比来看,南航2023年的航空餐食成本费用和占总营业成本的比例,均为三大航中最低;国航的航空餐食成本费用最高,但其餐食成本占总营业成本的比例略低于东航。

记者将上述各项数据与2019年的数据进行对比后发现,三大航餐食成本费用占总营业成本的比例均在下降。三大航2019年的财报分别显示,国航的航空餐饮费用为40.26亿元,占总营业成本的3.56%;东航的餐食及供应品费用为36.67亿元,占总营业成本的3.42%;南航的餐食及供品费用为39.75亿元,占总营业成本的2.93%。

由于2023年民航业整体尚未完全恢复到2019年水平,航班量、旅客运输量等指标也处于回升过程中,因此,为方便比较,记者分别依据三大航在2023年和2019年的全年载客人次计算了人均航空餐食成本(报告期内航空餐食费用成本/报告期内载客人次)。

计算结果显示,2023年国航、东航和南航的人均航空餐食成本分别为24.02元、25.8元和18.05元;2019年国航、东航和南航的人均航空餐食成本分别为35.01元、28.21元和26.15元。虽然各航司对航空餐食的标准和规定不同,旅客的餐饮习惯也不同,但计算得出的人均航空餐食成本也能在一定程度上反映出整体情况。

餐食缩水拉低飞行体验

成本的降低也令部分航班餐食质量有所下降。一段时间以来,不乏旅客吐槽航空餐食“缩水”。

旅客张诚是一位旅游爱好者,曾多次乘飞机往返世界各地。他向北京商报记者展示了不同航司飞机餐的照片,有些飞机餐色泽鲜亮、搭配丰富,有些则卖相一般、搭配简单。“在国内航司中,我认为四川航空的餐食最好吃,所以每次在选航班时,尽量选择搭乘四川航空。”张诚肯定了餐食口味对其航班选择的影响。

因此,国内航司也在降本之余不断丰富旅客对餐食的个性化选择。

以南航为例,旅客李青元在购买南航北京—大阪的机票时看到,她的航班可以选择取消餐食。另一位从北京前往成都的南航旅客刘灿则表示,她出行前在南航App上看到,这班航班有多种付费餐食选项,包括90元的京味宫保虾仁套餐、60元的烩牛肉配土豆块套餐等。

张磊认为,要平衡航空餐食的开支和质量,航司的计划部门还应与航食企业进行有效沟通,做好预测采购量、安排生产等工作。具体来看,在采购原料上要尽量避免选用非应季食材,提前预订季节性食材,也可以通过联系直接供货商以减少中间环节。

国内辅收仍处起步期

事实上,减少航食成本只是航司降本增效的缩影,属于“节流”措施。在开源方面,多家航司正在持续开发辅助营收业务,以增加额外收入。

公开资料显示,辅助业务收入是指除客运、货运收入外,通过有偿机舱服务、其他与航空出行相关的产品销售和增值服务产生的收入,也包括逾重行李收入。

民航业内人士林智杰表示,民航业具有高风险、高技术、高投入、高波动、高要求但低盈利的特点。长期以来,民航业的利润率仅为3%—5%。因此,航司也希望能够拓展机票之外的收入,通过提升辅助收入来增加总收入。

自2020年起,民航业遇冷,航司经营状况急转直下,亏损显著,因此,能够提升航司营业收入的辅收项目被寄予了期待。

但林智杰也表示,国内航司的辅助营收业务目前还处于起步阶段。

记者注意到,三大航的财报中并未提及具体的辅助营收数据,仅南航在2023年度财务报表附注中提到了“其他业务收入”一项。该项收入包括了“酒店及旅游业务”“航空配餐业务”“其他”三项。其中,“酒店及旅游业务”在2023年的收入为7.5亿元,成本为6.56亿元;“航空配餐业务”在2023年的收入为4.58亿元,成本为4.32亿元。

上述数据表明,各航司辅助营收的增收作用还不甚明显。随着时间推移,民航业的普惠性逐渐增强,旅客的需求也会越来越多样化,航司的辅助营收业务发展也会更加多元和成熟。在此过程中,如何最大程度地提升服务质量、保证旅客体验,是三大航及其他国内航司需要持续关注的内容。

 

 

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《师兄太稳健》:当“苟”成了修仙第一法则,这部反套路仙侠到底有多离谱又上头?

如果要说最近最让人好奇的一部仙侠剧,那《师兄太稳健》大概可以排上前列。 不是因为它多么宏大,也不是因为设定多么“正经”,恰恰相反——是因为它看起来,太不按套路来了。 而当敖瑞鹏出现在男主位置的时候,这种“不按套路”的感觉,几乎在第一时间就成立了。 说实话,一提到敖瑞鹏,很多人脑海里浮现的,往往不是某个固定角色,而是一种带点“抽象气质”的存在。他那些被反复刷到的名场面,已经让观众对他形成了一种默认认知:这个人,一旦放进合适的设定里,很可能会把角色演出另一种味道。 于是,当《师兄太稳健》这个故事出现时,很容易产生一种直觉——这角色,好像真的有点“量身定做”的意思。 一个不想称霸三界的男主,偏偏活成了最稳的那一个 剧里的男主李长寿(敖瑞鹏 饰),开局其实很“普通”。 他重生到了封神大战之前的洪荒世界,没有系统,没有外挂,也没有什么天赋加成,就是一个普普通通的小炼气士。按常规逻辑,这种开局应该是一路逆袭、打怪升级,但他偏偏走了一条完全相反的路。 他的核心理念只有一个字——“苟”。 别人修仙,是为了飞升、称霸、成圣;他修仙,只是为了活着,而且是那种安安稳稳、尽量不惹事地活到最后。 这种设定,一下子就把整个故事的基调拉偏了。 你很难把他当成传统意义上的“英雄”,他更像一个带着现代打工人思维的角色——少惹事、少背锅、尽量把风险降到最低。 他闭关修炼,不是先打坐,而是先挖好几条逃生地道;准备渡劫的法宝,不是神兵利器,而是一堆毒丹、替身纸人和保命符;出门之前布阵、打架之前试探、结束之后还要清理现场,生怕留下任何隐患。 甚至为了避免“情劫”,他可以当场表演“口吐白沫”,只为让一切可能的麻烦远离自己。 这种夸张又极致的“求生欲”,让人一边觉得离谱,一边又忍不住觉得真实。 当“稳健”遇上“失控”,剧情才真正开始好看 但问题在于——他越想稳,世界就越不让他稳。 原本打算安静修炼的生活,被一个突然出现的小师妹彻底打乱。 蓝灵娥(艾米 饰)几乎是“行走的意外制造机”:练剑能劈坏牌匾,炼丹能炸穿地基,走到哪祸闯到哪,还能一脸无辜地喊“师兄救我”。她的存在,就像专门用来拆李长寿计划的变量。 而另一边,云霄仙子(孙珍妮 饰)则是另一种“不稳定因素”。 表面看起来端庄清冷,带着仙气,但实际上带点腹黑气质,甚至会用各种方式“逗”李长寿,比如罚他抄“稳”字经,一罚就是百年。这种轻微的反差,让角色不再只是“高冷”,而多了一层玩味。 当这两种完全不同的性格围绕在李长寿身边时,他原本精密的“苟道计划”,开始一点点失控。 也正是在这种“想稳却稳不住”的过程中,剧情才真正有了节奏。 不仅是搞笑,更是一种慢慢展开的成长 如果只看表层,《师兄太稳健》确实是偏轻松甚至带点“沙雕”的。 但往下看,会发现它并不只是停在搞笑上。 李长寿一开始的目标很简单——活着。但随着经历的累积,他的选择开始发生变化。从只想自保,到开始在意身边的人,再到逐渐被卷入更大的局势之中,他的视野在被动中不断扩大。 从“小琼峰”到更广阔的三界,这种空间上的延展,其实对应的是人物内心的变化。 他依然“稳”,但这种“稳”,不再只是躲避,而是开始带着一点承担。 一部不靠“正经”取胜的仙侠剧,反而更让人想看 从目前的信息来看,《师兄太稳健》并不是那种强调宏大叙事的传统仙侠,而更像是一部用轻松方式去拆解套路的作品。 它用“苟”去对抗“燃”,用反常规去重构熟悉的世界观,让观众在笑点之外,也能看到人物一点点变化的过程。 再加上敖瑞鹏、孙珍妮、艾米等演员的组合,以及曾可妮、于毅等人的加入,让整体氛围更偏轻快,也更容易形成群像互动。 或许它不会一开始就让人震撼,但很可能会在观看过程中,让人慢慢上头。 那种感觉大概是—— 你原本只是想看看它到底有多离谱,结果不知不觉,就开始期待它接下来还能有多离谱。

《Climax》剧情升温:当权力、资本与过往交错,一切关系都不再单纯

有些剧,在推进到中段时,才真正显露出它的锋芒。 《Climax》正进入这样的阶段。 随着第8集剧情展开,原本已经复杂的权力结构,被进一步打乱。选举临近、资金流向成谜、关键人物浮出水面,多条叙事线开始同时收紧,让整个故事不再只是单一的权力斗争,而逐渐转向一种更立体的博弈。 而在这之中,最引人注目的,不只是政治层面的对抗,还有那些被时间掩埋、却在关键时刻重新浮现的个人关系。 权力角力升级:从布局到正面交锋 在剧情推进中,朱智勋饰演的方泰燮,开始主动出击。 面对即将到来的大选,他不再只是观察者,而是选择与吴政世饰演的权钟旭联手,对车珠英饰演的李阳美展开反击。这种联盟的形成,本身就带着明显的策略意味——在权力结构中,没有永恒的立场,只有不断变化的利益关系。 与此同时,围绕电影《Four Seasons》的资金疑云逐渐浮出水面。 所谓的“黑金”,不仅是经济问题,更是一条将政治与娱乐产业连接起来的隐秘通道。而“Shadow”这一关键人物的出现,则让局势进一步失控——他不属于任何一方,却影响着所有人。 当信息不再透明,局势便不再可控。 这也是《Climax》逐渐呈现出的核心状态:每一个选择,都可能立即引发连锁反应。 片场重逢:最安静的空间,反而最危险 如果说权力线带来的是外部冲突,那么河智苑与Nana之间的重逢,则更像是一场无声的对峙。 两人在剧中分别饰演楚尚雅与黄正元,在电影《Four Seasons》的拍摄现场再次相遇。这一场景,本应是创作空间,却因为过去的纠葛,变成了情绪最紧绷的地方。 她们之间的关系,并未被完全揭开,但正因如此,每一个眼神与停顿,都显得格外有分量。 不是直接的冲突,而是一种被压抑的对抗。 这种“心理战”的存在,让剧情从单一的权谋叙事,延伸到人物内部。观众所看到的,不只是发生了什么,而是人物如何在过往与当下之间,做出回应。 而这种回应,往往不会体现在语言上。 多线交织:政治、资本与个人命运的重叠 随着“Shadow”的出现,剧情的结构变得更加复杂。 他出现在检方审讯室中的一幕,不仅强化了悬疑感,也将不同领域的联系进一步拉紧——政治、商业、娱乐,这些原本看似分离的系统,在同一条叙事线上交汇。 这也是《Climax》逐渐建立的叙事方式。 它不再只是讲述某一个领域的故事,而是通过不同层面的交错,让每一个角色都处在更大的结构之中。个人选择,不再只是个人行为,而是会影响整个局势的变量。 因此,当选举局势开始动摇时,这种变化也不仅仅属于政治层面。 它是一种整体结构的松动。 转折临近:当每一步都无法回头 第8集的意义,在于它将故事推向一个无法回避的节点。 方泰燮与李阳美之间的正面对抗已经展开,彼此试探、攻击对方的弱点,意味着隐藏阶段的结束。接下来,不再是布局,而是直接碰撞。 与此同时,每一个角色也开始面对选择的后果。 在这样的叙事结构中,没有真正的安全位置。每一次决定,都会带来即时的反馈,而这种反馈,又会进一步改变局势。 节奏因此被不断加快。 结尾:真正的高潮,不只是结果,而是过程的积累 《Climax》正在逐渐接近它的标题所暗示的状态。 但所谓“高潮”,并不只是某一个瞬间的爆发,而是由无数细节、关系与选择累积而成。当所有线索开始汇聚,当人物不再有退路,真正的冲突才会显现。 而在那之前,一切仍在推进。 只是,每一步,都变得更加沉重。

“淡颜系男神”的再讨论:张凌赫与当下审美分类的边界感

随着《逐玉》的播出,张凌赫再度进入舆论讨论中心,其中一个被频繁提及的关键词,便是“淡颜系男神”。在当前的审美语境中,“淡颜”与“浓颜”逐渐成为一种便于传播的分类方式:前者强调五官量感轻、整体观感柔和清爽,后者则更偏向轮廓深邃、视觉冲击力更强。类似宋威龙、王鹤棣、吴磊这类演员,通常被归入“浓颜”范畴,而张凌赫、杨洋、肖战则更常被讨论为“淡颜代表”。 但具体到张凌赫本身,他的归类其实始终存在分歧。一部分观点认为,他的五官结构立体、骨相清晰,应当归入“浓颜”;而另一部分声音则更强调其眉眼的柔和度与整体气质的低攻击性,认为他更接近“淡颜”。这种分歧本质上反映的,并非简单的分类错误,而是他本身处于两种审美边界之间。 与典型“浓颜系”如宋威龙或王鹤棣相比,张凌赫的五官确实更趋于收敛,眉眼线条干净,缺少明显的锋利感,整体观感更偏温和。这种气质在镜头中往往呈现出一种“初恋感”,既不过度张扬,也不依赖强烈对比,而是通过均衡与清爽建立吸引力。也正因如此,他在古装造型中往往更容易被观众接受,形成稳定的“古装美男”认知。 在同一审美体系中,杨洋常被视为较为典型的淡颜代表。他的五官比例均衡,线条利落却不锐利,在清冷与柔和之间切换自如,这种“克制的精致感”使其在不同类型造型中都保持稳定输出。肖战则在此基础上增加了更多亲和力,其眉眼表达偏温润,情绪传递更为外显,因此在古装题材中容易形成明显的氛围感。 王一博则提供了另一种“淡颜路径”。他的外形不以第一眼冲击取胜,而更强调耐看度与气质变化,在冷感与少年气之间切换,使其在不同角色类型中具备延展性。李昀锐则属于五官量感较轻的一类,单看不突出,但整体组合协调,呈现出典型的“初恋脸”特征。刘昊然同样如此,他的外形不依赖锋利感,而是通过笑容与亲和力建立记忆点,在青春题材中尤为突出。 此外,张智尧、陆毅、鹿晗、白敬亭等人,也常被纳入这一范畴。他们的共同特征并不在于五官是否惊艳,而在于整体观感的舒适度与稳定性,这种“低攻击性美感”更依赖时间与镜头累积,而非瞬间冲击。 从整体来看,“淡颜系帅哥”本质上强调的是一种耐看型审美:不过度依赖强烈轮廓,而是通过比例、气质与情绪表达形成持续吸引力。这类演员在古装与青春题材中更容易获得观众好感,也更具长线消耗能力。 而张凌赫之所以在这一体系中被反复讨论,一方面来自《逐玉》带来的曝光放大,另一方面也源于他本身所处的“边界位置”——既具备一定骨相支撑,又保留了柔和气质。这种介于淡与浓之间的模糊性,使他在当下审美分类中,反而具备更高的讨论空间。

叶璇版上官海棠:在理性与情感之间缓慢倾斜的女性轮廓

2005年的古装武侠剧《天下第一》,由李亚鹏、霍建华、郭晋安、叶璇等主演,围绕“护龙山庄”与朝廷权力斗争展开,讲述四大密探在江湖与朝堂之间周旋的故事。剧情融合武侠、权谋与情感,在当年形成了颇具代表性的叙事结构。 在这一群像之中,上官海棠并非最具锋芒的人物,却是气质最为复杂的一位。她以男装行走江湖,是护龙山庄的密探首领之一,表面冷静、理性、近乎无懈可击。但在叶璇的诠释之下,这种“完美”从一开始就隐含裂痕。 叶璇所塑造的上官海棠,最突出的并非“英气”,而是一种被压抑后的柔韧。她的男装不是刻意的阳刚,而是一层自我保护的外壳。她说话不急不缓,行事有度,情绪极少外露,但正是在这种克制之中,人物的内心显得格外真实。她更像是一位清醒的旁观者——懂得权谋的规则,也清楚自身的边界。 然而,这种理性并非坚不可摧。当她面对由霍建华饰演的段天涯时,这层外壳开始出现松动。段天涯的沉稳与疏离,使两人的关系始终保持着一种微妙的距离感。他们之间没有直白的情感宣泄,更多的是停留在未说出口的理解与错位的靠近。 叶璇对这段情感的处理极为克制。她没有用明显的情绪去强调“爱”,而是通过细微的停顿、目光的回避以及语气的轻微变化,让观众逐渐意识到那份被压抑的情感。正因如此,这段关系呈现出一种近乎“无声”的悲剧——它不是因为冲突而破裂,而是从未真正开始。 上官海棠这一人物的核心,并不在于她的身份或能力,而在于她始终无法摆脱的“边界感”。她可以在权谋中游刃有余,却无法跨越情感的界限;可以看清局势,却无法为自己做出选择。叶璇以一种近乎透明的方式,将这种矛盾缓慢展开,使人物在不张扬的叙事中逐渐沉淀。 也正因为如此,她的上官海棠并不以强烈的戏剧性取胜,而是在时间的推移中,留下更长久的余韵。
白 玫瑰
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关晓彤深夜现身三里屯酒吧引关注,过往言论再被提及

近日,演员关晓彤被拍到深夜现身北京三里屯酒吧一带,引发网友讨论。4月10日,有八卦博主曝光相关画面,显示关晓彤当晚与助理一同出行。 据画面显示,当晚关晓彤乘车抵达三里屯,下车前她先抬头观察周围环境,又低头查看手机,似乎在与朋友确认位置。随后,她与助理一同下车,步行前往酒吧方向。 该事件之所以引发关注,也与关晓彤过往在节目中的发言有关。她曾坦言自己较为喜欢饮酒,并表示享受那种“微醺”的状态。这一言论也在此次被拍后再次被网友提起。 不过,从目前公开信息来看,此次行程更接近一次普通的私人社交活动,尚未有更多细节或官方回应释出。 作为活跃于影视圈的年轻演员,关晓彤在工作之外的生活动态偶尔也会受到关注,而类似的私人行程往往容易引发外界的不同解读。

看完《In Your Radiant Season》还不过瘾?这5部蔡钟协作品值得补

随着《In Your Radiant Season》的收官,**蔡钟协(Chae Jong Hyeop)**再次凭借自然温暖的表演风格收获关注。他所饰演的角色往往带有真实而细腻的情感质感,让观众在不知不觉中产生共鸣。这种介于克制与温柔之间的表达,也成为他在众多演员中逐渐建立辨识度的重要原因。 如果还想延续这种观剧体验,以下五部作品从不同类型切入,呈现出蔡钟协在表演上的多样探索与成长轨迹。 《Love All Play》 这部以羽毛球竞技为背景的爱情剧,讲述了因争议暂别赛场的朴泰阳,与性格随性的朴泰俊相遇后,重新找回热情与目标的故事。蔡钟协饰演的朴泰俊起初对运动缺乏执念,将其视为一份工作,但在与女主的相处中逐渐发生转变。角色从轻松散漫到逐渐认真投入,情绪变化自然流畅,使整部剧在竞技与情感之间取得平衡。 《Unlock My Boss》 在这部融合奇幻与职场元素的作品中,蔡钟协饰演一名失业青年,意外卷入“CEO灵魂被困手机”的事件,并被迫顶替成为公司代理负责人。面对陌生的商业环境,他凭借“演员本能”应对各种局面。该剧在轻松幽默的氛围中融入悬疑线索,既展现了角色的成长,也体现了演员在喜剧节奏上的把控能力。 《Castaway Diva》 该剧以“荒岛生存15年后回归社会”为设定,聚焦人物重建人生的过程。蔡钟协饰演的姜宝杰性格内敛克制,与女主之间存在复杂而隐秘的联系。他的表演更加收敛,通过细微的情绪变化与眼神交流传递人物内心,使角色在整体治愈基调中显得沉稳而有力量。 《Serendipity’s Embrace》 这是一部围绕“初恋重逢”的爱情剧,篇幅精简却情感集中。蔡钟协饰演的姜厚英在多年后重遇旧爱,面对曾经的情感重新浮现。角色在理性与情感之间的摇摆,使故事更具现实感。他以克制的方式呈现人物内心波动,使整段关系发展显得自然且具有层次。 《The Witch’s Diner》 在这部带有奇幻色彩的作品中,蔡钟协饰演一名曾经的运动员,在意外受伤后失去原有的人生轨道,并在一家“实现愿望但需付出代价”的餐厅中工作。角色本身承载着现实的遗憾与坚持,也成为连接奇幻设定与人性议题的重要桥梁。通过这一角色,演员展现出更具深度的情感表达。 多类型尝试中的稳定表达 从运动题材到奇幻叙事,从轻喜剧到情感治愈,蔡钟协的作品覆盖多种类型,但其表演始终保持一种克制而真诚的底色。这种不依赖强烈戏剧冲突,而是通过细节逐步建立情感连接的方式,使他的角色更具生活感与持续吸引力。 对于喜欢《In Your Radiant Season》的观众而言,这些作品不仅延续了熟悉的情感氛围,也展现了他在不同题材中的适应能力与成长路径。

The Rose宣布暂别舞台:新专辑与十周年巡演后迎来阶段性休整

韩国乐队The Rose近日宣布,将在推出新专辑并完成十周年巡演后,进入一段暂时休整期。这一消息通过其官方社交平台发布,引发粉丝关注。 在公开声明中,The Rose表示,这次“暂停”并非结束,而是一次让成员们“呼吸、成长,并重新找回自我”的阶段。他们希望通过短暂的分开,为未来积蓄更多能量,以更好的状态回归。 在休整之前,乐队将推出新专辑《ROSE》以及配套巡演《ROSETOPIA》。其中,新单曲《Blue Moon》将于4月13日率先发布,而巡演则定于6月5日正式开启。至于专辑《ROSE》的具体发行时间,目前尚未公布。 The Rose表示,希望通过这张专辑与巡演,为这一阶段画上一个完整而有意义的句点,与粉丝共同完成这段旅程的收尾。 回顾出道十年来的发展,成员们将The Rose形容为“家”与“避风港”,承载着他们的梦想与人生。在经历过困难与高光之后,他们始终在音乐与彼此之间找到归属,也从粉丝的陪伴中获得力量。 在声明的最后,乐队强调这并不是告别,而只是一次短暂的离开。他们用“once in a blue moon”来形容这一时刻,既带有感性意味,也暗示未来仍会重逢。 随着新作品与巡演即将展开,The Rose将以这一阶段性的收官,迈向短暂沉淀后的下一段音乐旅程。

Lisa与Blue Pongtiwat夕阳合影走红,引发全球热议

近日,BLACKPINK成员Lisa与泰国演员Blue Pongtiwat的一组照片在网络上迅速走红,引发大量关注与讨论。 4月8日(韩国时间),Blue Pongtiwat在个人社交平台发布多张照片,并配文“Cheers to you, rockstar”,瞬间吸引了全球粉丝的目光。两人的同框画面因“意外组合”与高颜值呈现,迅速在网络上扩散。 照片中,Lisa与Blue Pongtiwat站在夕阳映照的背景下,画面色调温暖柔和。Lisa身穿简约时尚的比基尼造型,展现出自然随性的状态,而Blue Pongtiwat则以从容姿态与之同框。两人之间轻松自在的氛围,使整体画面既具有生活感,又带有电影般的质感。 Blue Pongtiwat身高183cm,以出众的外形和比例受到关注,早在正式出道前便因“校园男神”形象在网络上走红。随后,他逐渐在泰国演艺圈站稳脚跟,曾主演Netflix原创剧《Ready Set Love》,并通过该作品被更多国际观众所认识。此外,他还出演了《Intern in My Heart》等作品,持续提升个人影响力。 另一方面,Lisa作为BLACKPINK成员之一,始终活跃于全球舞台,无论是团体活动还是个人发展,都展现出强大的国际影响力。 此次照片的走红,不仅体现了两位艺人的视觉吸引力,也反映出跨领域互动所带来的话题效应,在全球粉丝群体中引发了广泛关注。

宋智孝担任《SNL Korea 8》第三位主持人,多面转型引期待

演员**宋智孝(Song Ji Hyo)**将以第三位主持人的身份亮相Coupang Play喜剧节目《SNL Korea 8》,尝试突破以往形象,在全新舞台上展现多样魅力。 该期节目将于4月11日晚8点播出。宋智孝在录制前表示,将全力以赴完成每一个环节,呈现出最好的舞台效果,展现出对本次挑战的期待与投入。 从最新公开的剧照来看,宋智孝在节目中呈现出明显的反差魅力:一方面以黑色礼服亮相开场,展现优雅气质;另一方面在多个短剧中大胆挑战夸张角色造型,释放喜剧潜力。这种在精致与幽默之间的切换,也正契合《SNL Korea》一贯的节目风格。 在具体环节中,她将与**池艺恩(Ji Ye Eun)**展开一场轻松有趣的“美貌对决”,延续综艺语境中的互动感。此外,在人气单元《Smile Clinic》中,她将化身性格直率、充满能量的公众人物,通过夸张演绎展现喜剧张力。 本期节目还将延续《SNL Korea》标志性的讽刺与社会观察元素,使整体内容更具层次感,也进一步提升了观众对宋智孝表现的期待。 此次出演不仅展现了宋智孝在综艺领域的延展性,也体现出她在表演风格上的尝试与突破。

乐蒂:如兰之美与短暂人生,一段被时间温柔记住的银幕传奇

在上世纪五六十年代的香港影坛,“古典美人”从来不是一个单一的定义,而是一种气质与时代共同塑造的审美体系。在这一体系中,常被并提的两位代表人物,是妩媚明艳的林黛,以及气质柔婉、清丽含蓄的乐蒂。如果说前者以张扬与情绪张力取胜,那么乐蒂则更像一株温室中的兰花——不争、不艳,却在安静中散发出持久的幽香。她的美,不在于锋芒,而在于柔软之中隐含的气度,这种“娇而不弱”的特质,使她在银幕上呈现出独特的存在感。 乐蒂原名奚重仪,1937年出生于上海,出身梨园世家,家族背景复杂而深厚。她的外公顾竹轩,是上海天蟾舞台的经营者,这一环境使她从小便接触戏曲与舞台艺术。在尚未出生之时,父亲便因战乱不幸离世,母亲此后长期患病,这样的家庭变故,使她的人生从一开始便带有某种命运感。幼年时期的乐蒂在外婆家长大,耳濡目染之下,对表演产生浓厚兴趣,常常模仿戏中人物,其神态与动作已显露出天赋的雏形。 然而,命运并未给予她太多安稳。11岁时母亲去世,她随家人迁居香港,进入一个语言与生活方式皆截然不同的环境。在这一阶段,她不仅要适应文化差异,也要面对家庭条件的变化。正是在这样的背景下,乐蒂逐渐形成了一种内敛而敏感的性格,这种性格后来也深刻影响了她的表演风格。 15岁那年,乐蒂被长城影业发掘进入影坛,正式开启演员生涯。初入行业的她,虽然外形出众,却面临激烈竞争。当时长城影业已有夏梦、石慧等当红女星,占据主要资源位置,年轻的乐蒂只能从配角做起。与此同时,后起之秀陈思思的加入,也使公司内部竞争更加激烈。在这一阶段,她既经历了职业上的挫折,也在情感上遭遇波折,这些经历让她的成长带有明显的现实压力。 转机出现在她离开长城影业、进入邵氏电影之后。如果说在前一阶段她尚未被充分发掘,那么在邵氏体系中,乐蒂则逐渐展现出真正的光芒。从《妙手回春》到《畸人艳妇》,再到《儿女英雄传》《红楼梦》,她以端庄秀丽的扮相与稳定细腻的表演,逐步确立了“古典美人”的银幕地位。她的角色多为温婉内敛的女性,情绪表达克制,却能在细节中传递复杂情感,这种风格与当时文艺片的叙事节奏高度契合。 1959年,乐蒂主演的《倩女幽魂》参加法国康城影展,并获得国际关注,她也因此被誉为“中国的奥黛丽·赫本”。这一评价不仅是对其外形的认可,更是对其气质与银幕表现的肯定。在那个以东方意象逐渐进入国际视野的时代,乐蒂所呈现的柔美与含蓄,恰好构成了一种具有文化辨识度的形象。 然而,在事业逐渐稳定的同时,她的情感生活却始终波折不断。与演员高远的恋情,以背叛告终;随后与邵氏男星陈厚的婚姻,也因性格差异与生活方式冲突走向破裂。婚姻的失败不仅带来情感打击,也让她在现实生活中承受压力。尽管如此,乐蒂在离婚过程中仅象征性索取一元赔偿,并独自抚养女儿,这一选择在当时的社会环境中,显得格外克制而坚决。 进入60年代中期,香港电影市场发生变化,武侠片兴起,传统文艺片逐渐式微。以气质与情感见长的乐蒂,在类型转变中面临适应困境。她尝试通过创立“金鹰电影公司”寻找新的发展路径,初期作品如《风尘客》《太极门》亦取得一定成绩,但整体来看,这一阶段的事业已不复巅峰时期的稳定。 在事业压力与生活负担逐渐增加的背景下,乐蒂的状态也出现波动。1968年12月27日,她被发现昏迷于家中,送医后不治身亡,年仅31岁。关于她的死因,外界曾有多种猜测,包括情感与事业压力导致的极端选择,但官方结论为心脏病发作。无论真相如何,这一过早的离世,都使她的人生留下难以弥补的空白。 回望乐蒂的一生,可以看到一种典型的“古典美人”命运:外在温柔、内心坚韧,却始终与时代与命运产生微妙的错位。她的美,并非为时代所塑造,而更像是在时代夹缝中自然生成的一种气质表达。也正因如此,当时代风向改变,她的存在便显得愈发孤独。 然而,时间并未抹去她的影像记忆。乐蒂所塑造的那些温婉女性形象,至今仍保留着一种柔和而持久的余温。她的表演不喧哗,却在克制中留下深刻印象;她的生命虽短暂,却在有限的时间里完成了高度凝练的表达。 或许可以说,乐蒂不仅是一个时代的古典美人,更是一种难以复现的审美象征。在光影流转之间,她所留下的,不只是美的记忆,更是一种关于气质、命运与时代关系的深层回响。

景甜:从“人间富贵花”到松弛表达,一种后流量阶段的自我重构

在经历多轮舆论波动与事业起伏之后,景甜近年的发展逐渐回归稳定轨道。她不再处于流量中心的聚光灯下,却进入了一种更为松弛、也更接近个人节奏的阶段。这种变化并非单一层面的调整,而是同时体现在公众形象、外在管理与事业路径之中。从整体来看,景甜正处在一个典型的“后流量阶段”——不再依赖高强度曝光维持热度,而是通过多维度的平衡,重建自身在行业中的位置。 首先,在个人状态层面,景甜的公众形象出现了明显转向。早年间,她以精致、完美的“人间富贵花”形象被广泛认知,这一标签在带来关注度的同时,也形成了一定距离感。而近一段时间,她在社交平台与公开场合中,开始更多呈现生活化的一面。从素颜出镜到分享日常阅读与饮食习惯,这些内容虽然并不具备强烈话题性,却在无形中改变了观众对她的认知方式。相较于过往的精致人设,如今的表达更趋自然与松弛,也更容易引发情绪层面的共鸣。 这种转变,本质上是一种“关系调整”。当演员不再以完美形象维持距离,而是以更真实的状态进入公众视野时,观众与其之间的连接方式也随之改变。对于景甜而言,这种变化不仅降低了外界对其形象的预期压力,也为其后续发展提供了更大的表达空间。 在外形管理方面,景甜同样展现出从“控制”到“松弛”的转向。她不再追求极致纤瘦的体态,而是呈现出更自然、健康的状态。这种变化并非简单的形象调整,而更像是审美逻辑的转变——从高度自律的身体管理,转向更强调舒适与真实的表达方式。在当下的观众反馈中,这种“不过度修饰”的状态,反而被认为更具亲和力,也更符合现实生活的感知。 这一趋势,也与整体行业环境的变化形成呼应。近年来,观众对于“真实感”的需求逐渐增强,过度精致与完美反而容易引发距离与疲劳。在这样的语境中,景甜的形象调整,既是个人选择,也在某种程度上契合了审美转向的整体趋势。 从事业层面来看,景甜近年的发展策略明显趋于稳健。她并未追求高频曝光或连续爆款,而是维持相对均衡的工作节奏。在作品选择上,她开始尝试摆脱单一“美人角色”的限制。例如在古装作品《四海重明》中,她所呈现的角色更强调成长与复杂性,而不再仅仅依赖外形优势完成表达。这种尝试,标志着其在角色塑造上逐渐向纵深发展。 此外,《待我醒来时》《龙骨焚箱》等项目的推进,也显示出她仍在持续参与不同类型的影视创作。虽然这些作品尚未形成明显的市场爆发,但从路径来看,其发展逻辑更接近“稳定积累”而非“集中释放”。这种节奏在短期内或许不具备强烈话题性,但在长期维度上,有助于建立更持续的职业结构。 在商业与时尚领域,景甜依然保持一定活跃度。她通过品牌活动与代言合作维持行业曝光,这种“非作品型存在感”在当前娱乐生态中具有实际意义。它不仅保证了她在公众视野中的持续可见,也为其影视项目提供了必要的关注基础。 综合来看,景甜当前所处的阶段,可以被理解为一种“后流量状态”的平衡实践。她不再依赖单一爆款驱动声量,而是通过生活表达、形象调整与稳定输出构建整体存在。这种路径相较于早期的高强度曝光,显得更为克制,却也更具可持续性。 从更深层角度观察,这一转变也涉及“吸引力”的重新定义。过去的景甜,更多依赖精致外形与高度完成的人设建立认知;而现在,她逐渐通过自然状态与真实表达获取新的关注点。这种变化并非简单的风格切换,而是一种表达逻辑的更新——从“被观看的完美形象”,转向“可被理解的真实个体”。 在当下的影视与舆论环境中,这种转向具有一定代表性。当观众逐渐厌倦单一标签与过度包装时,演员需要寻找新的连接方式。景甜的变化,正是在这一背景下展开的实践。她并未急于重新站上流量高点,而是在多个维度之间寻找新的平衡点。 或许,这种不急于证明、而是逐步调整的状态,正是其下一阶段发展的关键。对于景甜而言,未来的突破不一定来自单一作品,而可能源于长期积累后的自然显现。在不断变化的行业环境中,这种以节奏与稳定为核心的路径,正在成为另一种值得观察的可能。

陈红与陈飞宇:从古典美人到新生代演员的传承轨迹

在华语影视的发展脉络中,演员之间的“传承”并不常被明确讨论,但在一些特殊的家庭中,这种延续却显得格外清晰。陈红与其子陈飞宇,正构成了这样一条从古典美学到当代表达的过渡线。 陈红出生于1968年,是上世纪90年代最具代表性的古装美人之一。她的面容具有极强的东方古典特征:轮廓柔和而端正,气质沉静而端庄。这种美感并不依赖夸张的造型,而是在镜头中自然流露。无论是在《三国演义》中饰演貂蝉,还是在《大明宫词》中塑造的复杂女性形象,她都展现出一种“人物先于表演”的状态——仿佛角色本身就属于那个时代。 其中,貂蝉一角几乎可以视为陈红的“定型之作”。她并未将角色简单处理为“绝世美人”,而是在柔美外表之下,注入了隐忍与宿命感,使这一经典人物兼具美感与悲剧深度。而在《大明宫词》中,她所呈现的女性形象则更具层次,既有权力语境中的克制,也有情感层面的复杂,这进一步巩固了她在古装题材中的地位。 她的表演方式偏向克制,很少使用外放的情绪爆发,而是通过细微的神态变化来建立人物。这种风格与当时的影视节奏相契合,也使她塑造的角色更具耐看性。陈红不仅是一个时代的美人,更是那个时代审美体系的一部分。 与母亲不同,陈飞宇成长于一个完全不同的影视环境。出生于2000年的他,自出道以来便面对着更快的节奏、更高的曝光度以及更复杂的舆论环境。作为导演陈凯歌与演员陈红之子,他的起点天然受到关注,但这种关注既是资源,也是压力。 陈飞宇的表演路径明显更贴近当代市场。他在《将夜》中饰演宁缺一角,以成长型男主的轨迹获得关注,角色从青涩到成熟的转变,为他积累了早期的观众基础。此后,他在青春题材《点燃我,温暖你》中尝试更贴近现实语境的角色表达,强化了个人的“少年感”标签。 近年的发展中,陈飞宇也在不断尝试类型拓展。例如在电影与剧集项目中,他逐渐向更复杂的人物靠近,不再局限于单一的青春形象。同时,他在古装与现代题材之间切换,试图寻找更稳定的表演定位。尽管这些尝试仍在磨合阶段,但已显示出从“流量标签”向“演员身份”过渡的意图。 然而,从某种程度上看,他仍然延续了来自家庭的某些特质。例如,在一些较为安静的场景中,他的表演会呈现出一种相对内敛的节奏,这与陈红的风格形成了一种微妙的呼应。尽管这种联系并不总是明显,但在特定角色中可以被感知。 值得注意的是,“传承”并不意味着简单的复制。陈红所处的时代强调气质与稳定性,而陈飞宇所面对的,则是多类型、多节奏的市场需求。因此,他的成长更多体现在适应与调整,而非延续单一风格。 从更宏观的角度来看,这对母子所体现的,是华语影视从传统到现代的一种转变。陈红代表的是一种以古典美学为核心的表演方式,而陈飞宇则处于一个更加多元、更加快速变化的语境之中。 或许,在未来的某个阶段,这种“传承”会呈现出更清晰的轮廓。但就目前而言,它更像是一种尚在形成中的联系——既有延续,也有偏离。 而正是在这种不完全重合之中,属于新一代演员的路径,才逐渐展开。

70—80年代武侠美人:当容貌成为气质的延伸,江湖成为灵魂的注脚

在华语影视的发展长河中,20世纪70至80年代常被视为武侠剧美学逐步成型并走向成熟的关键阶段。这不仅是武侠叙事不断扩展的年代,更是“武侠美人”这一独特类型真正建立自身体系的时期。在这一语境中,“美”从来不是孤立存在的外在条件,而是与人物的性格、命运以及所处的江湖世界紧密交织。正因如此,这一时期诞生的女性角色,并未随着时代更替而被遗忘,反而在时间沉淀中愈发清晰。 与当下影视工业中强调视觉冲击与外形标签的审美逻辑不同,70至80年代的武侠女性形象,更接近一种“人物优先”的创作思路。她们并非单纯为了“被观看”而存在,而是作为叙事核心的一部分,拥有清晰的立场与行动逻辑。无论是情感选择还是命运走向,这些角色都承载着剧情的关键张力。也正因此,当观众回望这一时期时,记住的不只是演员的容貌,更是角色所代表的精神质地。 进入1970年代,以邵氏电影为代表的制作体系几乎奠定了武侠影像的基本范式。在这一阶段,像郑佩佩、施思与何莉莉等演员所塑造的形象,更接近“女侠”而非传统意义上的“美人”。她们的存在强调行动力与决断力,角色往往能够直接参与甚至主导叙事发展。与此相对,情感线在整体结构中的比重并不突出,人物的价值更多体现在“侠”的维度之上。 在视觉呈现上,70年代的武侠女性造型趋于简洁,妆容克制,强调面部轮廓与神态表达。演员需要依赖身体语言与眼神来传递情绪,而非借助繁复的外在装饰。这种表达方式,使人物更接近一种“真实存在”的江湖个体,而非被刻意美化的形象。可以说,这一时期的武侠美人,本质上是“以侠为核”的结构——美只是附着其上的一层外在维度,而非定义角色的核心。 进入1980年代,武侠题材逐渐走向成熟,女性角色的类型也开始分化并丰富。在这一阶段,以林青霞、王祖贤与陈玉莲为代表的演员,共同塑造出一批具有高度辨识度的经典形象。相较于70年代的“功能性女侠”,80年代更强调气质与美貌的平衡,人物既需要具备视觉吸引力,也必须拥有完整的情感结构与内在逻辑。 这一时期的关键变化,在于角色类型的多元化发展。女性形象不再局限于单一模式,而是逐渐分化为不同气质谱系:既有清冷孤高、带有疏离感的“仙子型”人物,也有命运多舛、情感浓烈的悲情女性,亦存在兼具魅惑与危险气息的复杂角色。这种类型扩展,使武侠叙事中的女性不再只是陪衬,而成为推动故事情绪的重要力量。 具体而言,林青霞所呈现的,是一种近乎超越性别界限的气场,她的角色往往具备压倒性的存在感,使人物在视觉与精神层面同时占据中心位置;王祖贤则以其独特的忧郁气质,塑造出带有梦幻色彩的角色,其表演中常带有一种游离于现实与幻想之间的质感;而陈玉莲在《神雕侠侣》中塑造的小龙女,则成为“清冷与纯净”的典范,她的表演极度克制,使角色呈现出近乎抽离尘世的状态。 如果说70年代强调“侠”的优先性,那么80年代则在此基础上实现了一种平衡——人物既拥有江湖属性,也具备情感深度,而“美”在此过程中成为气质的延伸。这一阶段最重要的特征,正是“差异性”的建立。每一位演员都拥有明确的气质定位,从而避免形象同质化,使整体审美呈现出丰富而立体的层次。 回到整体观察,70至80年代的武侠美人之所以能够在多年后仍被反复提及,首先在于她们具备清晰的“江湖归属”。这些角色并非悬浮于故事之外的符号,而是真正属于那个世界的一部分。她们有自己的判断、有行动路径,也必须面对不可回避的命运选择。这种设定,与古龙作品中所强调的个体精神形成某种呼应,使人物更具存在感。 其次,这一时期的表演方式普遍趋于克制。演员更倾向于通过细微的情绪变化与节奏控制来完成表达,而非依赖外放的情感宣泄。这种“留白式”的演法,使角色在叙事之外仍保有余韵,观众在观看结束后,依然能够回味人物的情绪轨迹。 再者,审美上的多样性也是关键因素之一。不同类型的美在同一时期并存,而非被统一标准所取代。这种差异构成了整体的丰富性,也使每一位演员都具备不可替代的独特性。当观众回忆这一时代时,往往能够清晰区分不同人物,而非陷入模糊的集体印象。 回望70至80年代的武侠美人,可以发现她们所承载的,并不仅仅是个人形象,而是一整套关于人物构建、叙事逻辑与表演方式的美学体系。在当代影视制作不断强化技术与视觉的背景下,这种以气质与内在表达为核心的创作路径,反而显得愈发稀缺。 或许正因为难以复制,这一时代的武侠美人才能在时间中不断被重提。她们既属于那个已经远去的江湖,也在观众的记忆中持续存在,成为一种跨越时代的审美回响。